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5 Bienal de Venecia

5 Bienal de Venecia

Algunas reflexiones sobre la 57ª Bienal de Venecia    Por Irmgard Emmelhainz «En un evento en el que la criticalidad es el statu quo y al que se asiste para ejercer la visión espectacularizada[2] dentro de un dispositivo de exhibición diseminado por toda una ciudad, dividido en pabellones nacionales y en una curaduría discursiva “global”, las bolsas fungían como pantallas móviles instando a los visitantes no sólo a acercarse al pabellón australiano, sino recordándonos, superflua pero obstinadamente, que millones de gentes alrededor del mundo están pasando una situación de urgencia extrema. La visión de los visitantes cargando las bolsas con el eslogan moralizante no podría ser más turbadora; en cierto sentido, la circulación del mensaje a través del flujo de gente por Venecia ejemplifica a la perfección la tesis de la científica política Anita Chari quien, a través de una relectura de Adorno y Lukács, plantea la reificación como la patología social central de la sociedad capitalista[3]. Para Chari, la subjetividad reificada es una postura de visión espectacularizada sin compromiso que los individuos asumen con respecto al mundo y en relación a sus propias prácticas y hábitos. En esta patología, la economía existe como un ámbito aparentemente independiente de la actividad humana; por lo tanto, la subjetividad alienada es incapaz de ver el involucramiento propio en los procesos capitalistas, y fomenta la incapacidad de comprender las formas de dominación en el contexto de la totalidad social. Pasearse por Venecia con y entre las bolsas del pabellón australiano sin sentir la urgencia del mensaje ejemplifica la postura reificada a partir de la cual los individuos comprenden ciertos aspectos de su mundo social como a-políticos, a-históricos, inmutables e inmunes al poder de transformación de la agencia humana. En resumen, esta forma de subjetividad reificada solo permite aprehender la forma de los conceptos (“derechos humanos”, “derechos de los refugiados”) pero sin captar su contenido, ya que la experiencia que contiene el concepto, el llamado urgente a la acción, está de antemano digerido como si fuera una mercancía.» desarrollo...

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Santos Ofelia

Santos Ofelia

  Textos de artista  Santos Ofelia– 2007 Como pintar la realidad? Pintar lo que se ve , lo que se sabe, lo que se siente, lo que se vive La realidad es motivo durante la historia de la humanidad de la apropiación de los poderes de turno, le pertenece al más poderoso, sin embargo como corrientes invisibles desborda en ella contradicciones y diferencias que surgen a pesar de la regla. El espacio y el tiempo nos muestra sin concesiones donde pertenecemos , en mi caso a una provincia donde aún se observan los ciclos del tiempo en la geografía, el clima, las personas, como formas diferenciadas, únicas e irrepetibles y esas particularidades trato de captar en mi pintura. SANTOS O SANTOS OFELIA SANTOS OFELIA SANTOS OFELIA SANTOS OFELIA SANTOS OFELIA Lo que veo se mezcla con lo que sé y en la vida cotidiano aparece con el sentido de la vista simultáneamente como abstracción y sensación. Para representarlo compongo el espacio plano de la tela en función de la simetría especular, traslatoria, rítmica en donde la figura del hombre otorga sentido de ser la función del paisaje, rebelándose como el contenedor de la diferencia y  de la presente humanidad. El color asume el sentido del tiempo estructurándolo en distintos valores luminosos, en ritmos acordes a la composición, trato de armonizar una dimensión de formas simultáneas, sincrónicas, otorgándonos la posibilidad de vislumbrar otras posibilidades de visión, disentir con lo impuesto , lo único. Trato de pintar “la realidad “ o el recorte de ella a través de lo que vivo lo que veo, lo que siento y lo que se, en un devenir continuo, de un  lapso de tiempo y de un lugar tratando de resignificar el sentido de vivir en el margen.   Santos Ofelia Formación: Profesora de Artes Plástica.  Cursando Maestría en Arte Latinoamericano. U.N.C. Exp. Colectivas 2006 Encuentro Nacional de Pintores. Nono. Córdoba. Mural Teatro Munincipal Mendoza (6,50mX4,50m) Universidad Tecnológica Nacional.15ª Muestra. Espacio de Arte. Arte y Dignidad.  Subsecretaría de Cultura. Ciudad.Mendoza. Artes Visuales en los Departamentos. Gral Alvear. Ministerio de Turismo y Cultura. Gobierno de Mendoza 2005 Salón de Otoño. Luján de Cuyo. Mendoza. Recoba de Posadas. Recoleta. Cdad. De Bs.As. Salón Avon para la Mujer “Lola Mora” Chubut. Salón Victoria. San Rafael. Mendoza. Exposición Canal 7. Las Heras. Mza. 2004 Salón Victoria. San Rafael. Mendoza. 2003 Coloquio Internacional de Arte. Facultad de Artes y Diseño. UNC Mendoza. Avon con el Arte. Salon Lola Mora. Eca. Mendoza- 2002- Exposición individual. Salón Cultural Canal 7 Mendoza. “Con lenguaje de juego”. Sala Eutopía. Mendoza Plaza –Shopping. Secretaría de Extensión de la Facultad de Artes y Diseño de la UNCuyo. Mendoza Encuentro de pintores en Las Loicas. Malargüe 1999...

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Sánchez Ana

Sánchez Ana

Sánchez Ana   http://www.artemza.com.ar/index.php?option=com_content&view=article&id=113:los-grabados-de-ana-sanchez&catid=35:chiavazza&Itemid=26  LOS GRABADOS DE ANA SANCHEZ DIARIO LOS ANDES. PABLO CHIAVAZZA Mendoza, 2005. Como modo de representación de una de las formas de la experiencia estética contemporánea.La crítica de la producción de imágenes se presenta en esta ocasión como un esfuerzo hermenéutico dirigido a introducir la experiencia estética en nuestra historia.Planteadas las cosas de este modo y descartando de antemano la mitología esteticista, se propone este ensayo que, sin ser novedoso en cuanto a las posiciones teóricas sobre las que se funda, responde a la necesidad de comprender las obra de arte como producto de la sociedad y de las pautas culturales que ésta construye con el fin de pensarse, experimentarse y reproducirse (o transformarse). sanchez ana sanchez ana Ilus[1]..ana sanchez imagina ANA_SANCHEZ_imagen_articulo Los grabados. En el intento de pensar a qué experiencia estética de la realidad social responden las imágenes de los grabados de Ana Sánchez uno de ellos en particular atrae nuestra atención. Se trata de un tríptico titulado: “Cosas”… “Que no pueden”… “detenerse”. Ya desde su título se expresa cierta fatalidad que intentaremos interpretar a la luz de la representación. La primera imagen muestra, a orillas de un acantilado, una máquina planificada, diseñada racionalmente y en proceso de construcción. En la segunda imagen la misma maquina aparece desarticulándose en bruscos movimientos, desembarazándose de los vínculos que la apuntalan al suelo, derribando las estructuras que antes sirvieron a su construcción, cobrando vida propia producto de un fuerza que no se revela. La imagen final muestra sólo el acantilado y supone el desbarrancamiento de “la máquina”. La tecnología, pensada como herramienta para mejorar la existencia, invierte su función, cobra vida y en ese acto, que la presenta como ajena a la voluntad de su productor, marcha inexorablemente hacia la autoaniquilación. Y el tríptico no muestra otra posibilidad que dicho destino trágico. Bajo esta representación, la máquina constituye la forma iconográfica de la experiencia de lo sublime (como sobrecogimiento y temor) frente a la tecnología contemporánea. Pasando a otros grabados, algunos se destacan por exponer una arquitectura ruinosa (tal es el caso de “Los funerales de mamá grande” y “6 meses viviendo en el barrio de la ley”) o escenográfica (“Juego de reinas”) como expresión de decadencia y falsedad del contexto en el que se desenvuelven los personajes. En algunas imágenes es la perspectiva la que resulta altamente significativa debido al punto de vista que la determina. Las vistas desde arriba o desde debajo de las escenas aparecen ante el espectador como una toma de distancia en el sentido de una retracción respecto de lo representado, como si se tratara de una huída hacia un lugar seguro, ajena a aquella vivencia del mundo expuesta como un...

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Forcada María

Forcada María

PresentaciónTextos de la  artista- Síntesis del proyecto de trabajo Mendoza, febrero de 2005Acumular manchas  es acumular experiencia poco descifrable en términos lingüísticos. Es registrar la intervención y quedar en suspenso frente al otro. La mancha es signo de ausencia de la representación, y presencia de respuesta especular por parte del espectador, es inmediatez abstracta en su máximo exponente. Si la imagen juega un papel capital en nuestros días, un papel que ha sido revisado, refundido,  es la mancha, una comunicación en base a repeticiones de indesignables que aparecen varias veces en un lugar como texto del mismo síntoma.El material, es el propio cuerpo de la obra. FORCADA MARIA Que el inconsciente es un lenguaje que esté articulado, no implica empero que esté reconocido. La trampa, el agujero, en el que caemos, es creer que los objetos, las cosas, son el significado. El sistema del lenguaje, cualquiera sea el punto en que se tome, jamás culmina en un índice directamente dirigido hacia un punto de la realidad, la realidad toda está cubierta por el conjunto de la red del no-lenguaje.En este sentido trabajo sobre telas (lienzos) o papeles, manchando con pintura diluida, remitiéndome a  un complejo de indeterminaciones que se estructura en la mancha, como reparación de la pérdida.  Estas obras son el resultado de un compromiso de investigación que se articula sobre  la posible topografía  del espacio mental del ser humano dispuesta en el tiempo. Son signos que designan sin palabras, presencias de estados mentales que hablan de la temporalidad de lo físico y lo mental, tratando de establecer una dialéctica intrínseca volcada en un plano de conocimiento sensorial.A veces trabajo con manchas e inscripciones sobre el muro, en aquellos lugares donde aparece una marca de uso. Es un registro que se presenta lisa y llanamente como dato, como elemento básico de un proceso de notación visual, casi como presentar el metalenguaje de las acciones que los seres dejamos en diversos  sucesos.Denuncia el muro donde van insertas, la vida del propio muro, sus pliegues, su anormalidad aparente. Las realizo con un procedimiento aleatorio: frotados, estampados, dedos, marcas, improvisados y no tanto, escritos transferido por partes y medios  designados en el momento.  Comentarios Críticos  por HÉCTOR ROMERO, MENDOZA 2006 FORCADA MARÍA  Trabaja sobre telas (lienzos) o papeles manchando con pintura muy diluida de distintos colores. La acción se realiza en un período breve de tiempo. No se selecciona antes los pigmentos con los que se va a trabajar. Derrama y extiende sus expansiones cromáticas sobre un  soporte que anula la figuración, remitiéndose a  un complejo de indeterminaciones que se estructura en la mancha, como reparación de la pérdida. La corporalidad misma es la mancha, ausente de representación.  Estas obras son el resultado de un...

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Bernal Daniel

Bernal Daniel

BERNALDANIEL Bernal Daniel Presentación FUEGO SAGRADO Catalogo. Agosto 1999. Egar Murillo ”El Pintor está perdido cuando se encuentra a sí mismo” Max Ernst (1891-1976) Los artistas han sido siempre juzgados, vilipendiados y empujados por sus sociedades, hacia el abismo del dolor absurdo, muchas veces de la indiferencia; y en ese estado el verdadero artista debe hacer plantear su trabajo (que es lo único que tiene) que quizás no sea reconocido jamás. El artista debe tener un deber social que es el de dar salida a las angustias de la época, (parafraseando a A. Artaud), o sólo debe escarbar quirúrgicamente en el cuerpo de lo puramente estético? En esta encrucijada, todo artista debe defender su esencia maldita, que es el de su invalorable libertad; la única substancia que lo hará verdadero, frente a los “exitismos” exigidos por la sociedad de fin de siglo. Morir, partir, caer, sufrir, temer, comer, creer y amar, son los verbos con los que él hace carne sus propias obras y existencia. Son también los títulos escuetos, exactos, directos, fríos y duros como piedra, de sus cuadros. Sin embargo ésta reciente producción, está determinada por uno de los elementos universales: el fuego. El fuego creador es el fuego de la pasión, de la destrucción o de la redención del cual emergerá un ser nuevo que retornará desde las cenizas. La obra de todo artista, está teñida por todas las vicisitudes terrenales a las que se halla inmersa su humanidad. Por eso el germen ígneo de la temática del fuego, comenzó hace unos años atrás, con la energía vibrante, que da la pasión amorosa y sus vivencias. El riesgo no es solo tema, sino también lo lleva a la realidad física quemando algunas superficies de sus obras. El riesgo se encuentra precisamente en esas actitudes llevadas al extremo, buscando un mundo irrepetible, un estilo propio. Figuras negras, casi siempre sin rostro, de hombres y mujeres son anudados por llamaradas, lenguas ardidas, que salen de sus corazones, o que simplemente emergen desesperadas como el grito poético y salvaje de Víctor Hugo Cúneo (1925-1969) ardiendo con su cuerpo en la plaza Independencia. Los mensajes son claros: la soledad, el desamor, la desesperanza, sin embargo no vive aquí la violencia, porque el artista nos muestra un espejo donde alumbramos y podemos reflexionar. En esta oportunidad, su propia evolución pictórica, lo ha llevado a que sus pinceladas sean más ásperas, expresivas y nerviosas. En general hay un gran colorido, pero también su eclecticismo y versatilidad lo llevan a la concreción de obras en blanco y negro, negativos de esas otras obras donde estalla el color. Es síntoma seguro también de escapar de los rótulos y los modelos, para determinar sus propias...

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